El rosa es una espada de doble filo. Mientras que el rojo es estridente y picante, el blanco es pálido y puro. El rosa corta en ambos sentidos. Mucho antes de que la palabra "rosa" se adhiriera a la bonita tonalidad pastel de delicados claveles, como hoy definimos el término, el mundo terrenal de Londres solicitó algo menos frívolo o fragante, para denotar el acto de apuñalar a alguien con una cuchilla afilada.
La educación no sexista empieza desde la infancia. Así segrega @elcorteingles en su app del catálogo de juguetes #juguetessingénero pic.twitter.com/oal2sAKqrw
— GZN (@gorazn) 4 de diciembre de 2016
Cualquiera que sea el nombre que se le haya dado antes de la asignación de "rosa" a la carta de colores en el siglo XVIII, ha mantenido a la cultura sonrojada desde la antigüedad.
Ahora seductor, ahora inocente, el rosa es coqueto y tímido, sensual y astuto.
Si se eliminara el rosa de la paleta de la historia del Arte y se perdería una dimensión burlona de la historia de la creación de imágenes. Los Pink Dancers de Edgar Degas se caerían y el período rosa clave de Pablo Picasso no estaría a la altura de las circunstancias.
Una carne en la sartén
Un momento clave en el surgimiento del rosa como elemento esencial en el desarrollo de la pintura es la creación del pintor italiano de principios del Renacimiento Fra Angelico a mediados del siglo XV de su famoso fresco en el Convento de San Marco en Florencia, Italia, La Anunciación, que representa el momento en el Nuevo Testamento que la Virgen María es informada por el Arcángel Gabriel que ella se convertirá en la madre de Cristo.
Situada en lo alto de una escalera solemnemente ascendida diariamente por monjes piadosos.
Crucial para despertar ese místico despegue en el fresco es la representación del Arcángel etéreo, que ha cruzado místicamente planos de ser para lanzarse a la esfera material de María. No importa las alas policromáticas, lo que más sorprende de la descripción de Gabriel es la decisión de Fra Angelico de vestirlo con lujosos pliegues de suntuoso color rosa.
Sabemos por el manual de un artista contemporáneo sobre cómo confeccionar pigmentos (Il libro dell'arte de Cennino Ceninni, publicado algunas décadas antes de que Fra Angelico pintara su fresco) que el rosa se había reservado tradicionalmente para la representación de la carne.
"Hecho de la más bella y ligera sinopia que se encuentra y se mezcla y se cuece con San Juan blanco", explica Cennini, "este pigmento le da mucho crédito si lo usa para pintar rostros, manos y desnudos en las paredes".
Floración de Cristo
Como foco de la maestra de la obra del Renacimiento, Madonna of the Pinks, una ramita de claveles sonrosados que el infante Cristo le entregó a la Virgen María puede parecer a primera vista poco notable.
De hecho, se trata de una especie de arruga milagrosa en el tejido del tiempo. Según la tradición religiosa, el dianthus (el nombre griego de la planta, que significa "flor de Dios"), no apareció en el mundo hasta que María lloró por la crucifixión de su hijo.
La apariencia anacrónica de la flor en la escena de Rafael, por lo tanto, teñida con la futura sangre del bebé que la sostiene, misteriosamente establece un pliegue rosado en el despliegue lineal del universo.
El rosa se ofrecía como el color de elección para retratar a las amantes de alto perfil
Con el tiempo, el rosa eventualmente florecería más allá de los pétalos de sus complejas teologías para inflar una gama más amplia de personalidad secular, al tiempo que conservaría su elusivo atractivo y capacidad de burlarse. En el siglo XVIII, el rosa se ofrecía como el color preferido para retratar a las amantes de alto perfil, y los observadores audaces negaban su propia legitimidad como un tono respetable.
Famosos retratos del retratista francés rococó Maurice Quentin de la Tour de Madame de Pompadour y del artista inglés George Romney de su musa Emma, Lady Hamilton (más tarde amante de Lord Nelson), haciéndose pasar por una ménade mitológica, revelan cómo decididamente desacralizó el color se había convertido.
El retrato en lápiz de larga duración de La Tour de la jefa de la delegación oficial a Luis XV de Francia, que comenzó alrededor de 1748, es un rudo gimnasio de junglas superfluas que araña cada centímetro y amenaza con sofocar al sujeto. Aquí, el rosa es una energía que vibra desde la modelo hasta los temas seculares con los que se ha rodeado Pompadour: la música, la astronomía y la literatura.
Porcelana rosa
Patrocinador del comercio de porcelana, Pompadour había inspirado a las fábricas de porcelana de Sevres a acuñar una nueva tonalidad de rosa, delicadamente magullada por toques de azul y negro. Para Pompadour, el rosa ya no era un mero accesorio, sino un socio en el crimen, una segunda piel aspiracional en la que creció intelectualmente y emocionalmente.
El rosa se convirtió en su color.
En tiempos más recientes, el rosa continúa siendo aprovechado por artistas deseosos de confundir nuestras expectativas sobre qué notas o mensaje puede llevar con confianza el pigmento floral. Después de haber establecido una formidable reputación a mediados del siglo XX como expresionista abstracto de primera generación, evitando por completo los temas figurativos en la década de 1950, el artista estadounidense nacido en Canadá, Philip Guston alcanzó el rosado en un giro dramático hacia el arte representativo a fines de la década de 1960 .
En la década de 1960 el color rosa se asociaba a los niños y la masculinidad
Para entonces, el color en sí mismo había experimentado una transformación comercial en la cultura minorista estadounidense, habiendo comenzado el siglo como una sombra más frecuentemente asociada con los niños y la masculinidad que con las princesas de hadas y las muñecas de las niñas.
Pero cuando Guston comenzó a presentar un amenazante elenco de matones de dibujos animados inspirados en el Ku Klux Klan, cuyas inverosímiles capuchas de color rosa pálido continúan amenazando a la imaginación popular hasta el día de hoy, el color se ha vuelto a comercializar como delicado y femenino.
En el mismo momento en que el provocativo rosa de Guston estaba afectando al mundo del arte, Alexander Schauss, director del Instituto Estadounidense de Investigación Biosocial, estaba realizando estudios científicos para determinar si las manipulaciones del color podrían ayudar a controlar el comportamiento de los sujetos rodeados de eso.
El resultado de la investigación de Schauss fue la mezcla de la sombra psicológicamente sutil ahora conocida como "Baker-Miller Pink", después del instituto correccional naval de Seattle, Washington, donde el pigmento se probó con éxito en las paredes de las células de los reclusos y se le atribuyó un importante calma de impulsos agresivos.
Sin embargo, a pesar de su capacidad de inspirar docilidad, el rosa todavía está escogiendo peleas, desafiando nuestras percepciones a un duelo estético. Al enterarse de que el artista británico Anish Kapoor había firmado un contrato que le otorgaba derechos exclusivos sobre un color recientemente creado conocido como Vantablack (la sombra más oscura jamás concebida) y el derecho legal de prohibir que otros artistas lo hicieran, el contemporáneo más joven de Kapoor, Stuart Semple rojo.
Envalentonado por el embargo negro de Kapoor, Se comenzó a inventar una pintura rosa supremamente fluorescente que sostiene es el "rosado más rosado" que se haya contemplado ("nadie ha visto nunca un rosa más rosado", insiste).
Como un golpe en los ojos de Kapoor, Semple ha hecho que su color esté disponible a un pequeño precio para cualquier persona en el mundo, siempre y cuando confirmen que no son Anish Kapoor ni suficientemente amables con Kapoor para compartirlo con él.
